Winfrey, de 69 años, se ha ganado un lugar en el museo por sus “importantes contribuciones a la cultura popular estadounidense”, hechas desde su posición de “líder mundial de los medios de comunicación”, informó en un comunicado la galería, con sede en Washington.

El retrato se puede ver a partir de hoy en la primera planta del museo y muestra a Winfrey, nacida en Kosciusko (Misisipi), de cuerpo entero en el jardín de su casa de California.

Warren pintó a la presentadora sonriente en un vestido de tafetán morado en medio de árboles y sujetando una rama de olivo, resultando en una pieza de óleo sobre lienzo enmarcada y que mide aproximadamente 1,80 metros por 1,80 metros.

De hecho, el color del vestido rinde homenaje al interés de Winfrey por la novela de la autora estadounidense Alice Walker ‘El Color Púrpura’, que ganó el Premio Pulitzer de Ficción en 1983.

El cuadro se presentó en una ceremonia en el patio de la galería, en la que intervinieron el director del Instituto Smithsonian, Lonnie Bunch, la directora de la Galería Nacional de Retratos, Kim Sajet, la misma Oprah Winfrey y el artista.

Recibida entre aplausos, Winfrey se mostró conmocionada por tener un retrato “junto a todos los grandes” y aprovechó para recordar que “la esperanza y el perdón sigue vivo y es necesario pase lo que pase”.

Oprah saltó a la fama como presentadora y productora del galardonado programa de entrevistas The Oprah Winfrey Show, que se emitió durante más de 25 años (1986-2011) y llegó a millones de espectadores.

Por otro lado, Shawn Michael Warren (1987), licenciado en Bellas Artes en la American Academy of Art de Chicago, ciudad donde está afincado, centra su obra en representar acontecimientos y personajes históricos y actuales a través del realismo.

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“Anoche murió el maestro Manuel Felguérez, artista total de México. Su legado es vasto y diverso, su obra, reconocida mundialmente, nutrió la obra de otros artistas”, informó la secretaria de Cultura, Alejandra Frausto, en Twitter.

#IMPORTANTE | Fallece a los 91 años el pintor y escultor mexicano Manuel Felguérez, pionero del arte abstracto y artista de la llamada "generación de la ruptura". https://t.co/m1SjCkBzLm

— Síntesis Puebla (@sintesisweb) June 8, 2020

La titular de la Secretaría de Cultura calificó a Felguérez (12 de diciembre de 1928, Zacatecas) de una persona “generosa y extraordinaria, entrañable”.

“Mi sentido pésame y acompañamiento a su familia, en especial a Meche (su esposa)”, concluyó Frausto.

Hasta el momento se desconocen las causas de la muerte, pero tras publicarse la noticia, las redes sociales se han inundado de mensajes de pésame y reconocimiento para este reconocido artista.

El gobernador del estado de Zacatecas, del centro-norte del país, Alejandro Tello, dijo que tras la muerte del artista “Zacatecas y México están de luto”.

“Hemos perdido a un hombre excepcional y a uno de los mayores exponentes del arte abstracto en el mundo: maestro, pintor y escultor”, manifestó Tello.

Felguérez recibió la Medalla Bellas Artes en 2016 y “fue protagonista en el diálogo de México con la escena del arte moderno internacional”, de acuerdo con la Secretaría de Cultura.

Su obra abarcaba sobre todo pintura, escultura y grabado, pero también escenografía, y evidenciaba una inquietud por buscar nuevas técnicas, materiales y formas de encauzar distintas posibilidades de representación.

Formado en México y en Francia, Felguérez era uno de los autores más reconocidos de la Generación de la Ruptura mexicana, un movimiento que surgió en la década de los años cincuenta con un grupo de jóvenes que criticaba el nacionalismo y tuvo entre sus detractores al muralista David Alfaro Siqueiros.

En una entrevista con la agencia Efe en abril del 2017, el afamado artista explicó la relación entre el fin último del arte y su polémica relación el dinero.

“El arte no es una mercancía, y no se hace con la intención de vender. Su intención es comunicar y transformar la sociedad. Y si se vende, pues qué sabroso”, explicó entonces desde el luminoso taller que escondía su casa del sur de la Ciudad de México.

En ese entonces, este artista disruptivo se mostró como alguien incombustible, pues a sus casi 90 años estaba preparando una exposición que, aseguró, sería “muy espectacular de tamaño y novedad”.

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En un recorrido por la muestra, el curador Carlos Palacios explicó a los medios que por un lado fue sacar a la pintura del estado semiclandestino en el que se ha encontrado en otros lenguajes relacionados con el arte en México.

Pero también el proyecto fue reunir a todos ellos que para el curador Palacios suponen la nueva mirada sobre lo pictórico.

Una de las condiciones de la exposición, conformada por aproximadamente unas 70 piezas, es lograr que las obras que la integran lleguen a una gran cantidad de público.

“La muestra parte de un ensayo de Luis Cardoza y Aragón, crítico de arte guatemalteco, que se llama ´México: Pintura activa’, que en ese tiempo intentó dar paso a la Generación de la Ruptura que comienza con los artistas de la escuela mexicana de pintura”, detalló el curador.

Ante la presencia de Vania Rojas, directora del recinto, el curador afirmó que se trata de una muestra que se basa más en lo pictórico.

La muestra, en la que destacan obras de colores fuertes y tenues, incluye obras como “Sarape No. 2”, de Paul Muguet; “Making rain” (Haciendo lluvia), de Chelsea Culprit; “Ojo nuevo, ceja nueva”, “Ojo nuevo, ojera nueva” y “Ojo nuevo, pupila nueva”, estas tres últimas de Christian Camacho.

Así como «Negro=Luz I» y “Negro=Luz II”, ambas de Alfredo Herrera y “El charro”, de Lalo Lugo. La exposición permanecerá vigente hasta el 9 de septiembre.

Como parte del programa educativo en torno a la exposición, se llevará a cabo un simposio, todos los jueves, del 14 de junio al 6 de septiembre, en el que se reflexionará sobre la reconfiguración de la idea de la pintura y lo pictórico.

Durante la inauguración de la exposición se presentará “Diamondstar”, instalación sonora de Luis Mercado, y “Pedir la lluvia”, exposición de Sofía Echeverri, que permanecerán abiertas hasta el 24 de junio en los gabinetes del Museo de Arte «Carrillo Gil».

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Esas son las conclusiones a las que llegó el italiano Comité Nacional para la Valorización de los Bienes Históricos, Culturales y Ambientales tras una serie de estudios realizados a la obra custodiada en el Museo del Prado de Madrid y que copia la célebre Gioconda o Monna Lisa de Da Vinci, expuesta en el Louvre de París.

El historiador Silvano Vinceti, presidente del Comité, informó que Roberto Biggi, del equipo científico de la misma organización, sacó a la luz una serie de imágenes y escritos invisibles a simple vista, gracias al uso de lentes de aumento especiales con los que fue estudiada la obra del Museo del Prado.

Explicó que esos enigmas fueron sometidos a una interpretación simbólica e histórica hecha posible gracias a la colaboración del historiador español José Luis Espejo.

En particular, apareció un rostro masculino en el trasfondo del paisaje que reproduciría la semblanza de un moro.

También salió a la luz un castillo de estructura octagonal típica de la arquitectura catalana. Vinceti recordó que el plano octagonal fue utilizado por los Caballeros Templarios.

Asimismo, fueron identificados un puente y una iglesia a pocos pasos que pertenecerían a Castellvell i el Vilar, una localidad cercana a Monserrat.

“Se trata de descubrimientos importantes que nos permiten dar una respuesta sobre quien fue el autor de esta pintura, que puede ser solamente español y que sería el pintor Fernando Yáñez del Almedina”, dijo Vinceti.

Resaltó que ese discípulo muy probablemente estaba en el taller de Leonardo en 1505, cuando el genio toscano se encontraba en Florencia realizando los bocetos para el cuadro la Batalla de Anghiari, que le fue comisionado por el gobernador florentino Pier Soderini.

Explicó que tales descubrimientos fueron posibles con el uso de lentes de aumento especiales y de la técnica del Photoshop, gracias al trabajo del ingeniero Roco Bruno, también miembro del equipo del Comité.

“La combinación de estas técnicas permite sacar a la luz los misterios escondidos en las pinturas”, resaltó Vinceti.

La Gioconda del Prado fue realizada casi en paralelo a su gemela del Louvre de París, aunque se ignora cuándo es que entró a formar parte de la Colección Real española.

Hipótesis de algunos historiadores han apuntado que habría sido llevada a Madrid por el escultor Pompeo Leoni, quien poseía bocetos y dibujos de Da Vinci.

En enero de 2012 y luego de que la obra fuera sometida a una restauración, se anunció en Londres que pertenecía a la escuela leonardesca.

Los trabajos de análisis y restauración de entonces fueron realizados para que el cuadro pudiera ser expuesto al lado de su gemelo parisino y revelaron sorprendentes similitudes entre ambos.

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Producido por Sky con Magnitudo Film, el filme está dedicado a uno de los artistas más amados, controvertidos y misteriosos de la historia del arte y es una de las primeras producciones en Italia rodadas en resolución 8K (un estándar para resolución en cine digital) que permite comprender detalles de la obra del artista no apreciables a simple vista.

En rueda de prensa los organizadores informaron que la cinta será proyectada en más de 340 salas, lo que representa un récord.

En el documental el hombre y el artista es contado a través de una profunda investigación que incluyó documentos originales, entre ellos algunos custodiados en el Archivo de Estado de Roma, o denuncias y documentos de la justicia de la época en la que vivió Michelangelo Merisi, mejor conocido como Caravaggio (1571-1610).

La narración se desarrolla en dos niveles, el primero es el de la digresión artística, con el relato de los lugares y las obras del pintor a través de la consulencia científica de los expertos Claudio Strinati, Mina Gregori y Rosella Vodret.

El segundo nivel está dedicado al hombre mediante escenas “fotográficas, evocativas y simbólicas que se convierten en metáforas sobre la condición existencial del artista, permitiendo entrar en contacto con su mente, sus impulsos irrefrenables y su vida interior.

El rodaje, que duró tres semanas, fue realizado en cinco ciudades y más de 15 lugares de arte con un equipo de producción de más de 60 personas, con 200 horas de grabación.

La dirección corrió a cargo del mexicano Jesús Garcés Lambert, autor de documentales para Sky y otras redes televisivas internacionales, como National Geographic, BBC, ZDF, CBS y Arte.

El filme recuerda la vida atormentada de Caravaggio y su propensión a vivir siempre al borde del abismo a través de escenas fotográficas contemporáneas, esenciales y simbólicas que sacan a relucir los estados de animo del artista, además de recursos visuales de gran impacto emotivo.

Artista revolucionario y por eso poco amado por sus contemporáneos, Caravaggio viajó por Italia en busca de fortuna, huyendo de los enemigos que siempre se creaba a su paso.

Milán, Florencia, Roma, Nápoles, Sicilia son algunas de sus metas, mientras en el documental son citadas algunas de sus obras más representativas, como “Judith y Olofeme”, “Escudo con la cabeza de Medusa”, “Canasta de fruta”, “Muchacho mordido por un lagarto”, “David con la cabeza de Goliat” o “Siete obras de Misericordia”

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El inmueble que originalmente fue el palacio del conde de Buenavista, habitado posteriormente por el general Antonio López de Santa Anna y por la numerosa familia de Iturbe, y que hoy en día es un espacio de arte, cultura y convivencia abre sus espacios para muestras de Germán Gedovius, Yvonne Domenge y Juan Carlos del Valle.

La exposición “Los mundos de German Gedovius» rinde tributo a la pintura de este artista mexicano de finales del siglo XIX, de quien se pueden admirar cuadros de magistrales pinceladas e introspección a 150 años de su nacimiento. Son más de 40 piezas de belleza sin par las que integran la exposición abierta del 11 de noviembre pasado y que recibe al espectador hasta el próximo 25 de marzo.

Se trata de una oportunidad de redescubrir a uno de los artistas mexicanos de mayor importancia, cuya obra ofrece una introspección muy particular, ya que este pintor vivió con un problema de sordera severo. El museo vuelve a traerlo a escena después de más de 30 años de su última exposición en el país, la cual tuvo lugar en 1985 en el Museo Nacional de Arte.

Al respecto, en su oportunidad la directora de, recinto, Carmen Gaitán calificó como acto de justicia esta muestra, en la que mexicanos y extranjeros pueden apreciar la obra de uno de los grandes maestros, de cuyo legado abrevaron pintores de la talla de Diego Rivera, Ángel Zárraga y Francisco Goitia.

De la misma manera, el público que desde hoy visita el museo, luego que ayer cerró sus puertas por ser día feriado, se encuentra con la exposición “Relumbrante Oscuridad: la Manifestación del misterio», un encuentro entre el neo-romanticismo de Juan Carlos del Valle y la colección del Museo Nacional de San Carlos, la cual permanece abierta desde diciembre pasado y hasta febrero próximo. Se conforma con 38 obras y es un atractivo en este inicio de año

Creadores como Francisco de Goya, Charles Michel, Alberto Durero, Johann Wilhelm Cordes y Luigi Calamatta dialogan con piezas de Del Valle. Imperceptiblemente iluminada o descaradamente relumbrante, la oscuridad sólo puede mirarse cuando interactúa con la luz. A diferencia del exceso de iluminación que al deslumbrar enceguece, la oscuridad expande la visión sugiriendo realidades no visibles.

Igualmente, la muestra “Secretos del arte”, inaugurada en octubre de 2017 y que permanecerá hasta el mes entrante, se alimenta de la colección del recinto, que conserva uno de los acervos más importantes de arte europeo en México y que tiene su origen en talleres virreinales, colecciones religiosas y particulares.

A través de la Real Academia de San Carlos, después Academia Nacional de Arte, estas obras llegan al presente cargadas de significados, pero también de secretos.

El museo, al tiempo que resguarda las obras, ofrece nuevas maneras de estudio para su comprensión ante la necesidad de renovar los acercamientos a la colección. Las especialistas universitarias Elsa Arroyo y Clara Bargellini encabezaron estudios de técnicas de registro de imagen y análisis de obras por métodos no destructivos a diversas piezas del Museo Nacional de San Carlos.

“Secretos del arte”, con sufijo “Historia y ciencia para el estudio de la colección del Museo Nacional de San Carlos”, expone algunas de las obras estudiadas, junto con las explicaciones de los métodos y hallazgos de las nuevas investigaciones. De esa manera, el recinto cumple con su doble misión de mostrar lo mejor del arte en su especialidad y alentar el estudio académico

Finalmente, una exposición de y sobre Yvonne Domenge está abierta de octubre pasado a febrero de 2018. “Cadena de creación”, muestra que permite registrar la relevancia de los procesos de creación de la artista, se presenta en el recinto con motivo de su ingreso a la Academia de Artes, que se encuentra en el mismo museo, en la sección de Escultura.

A través de una selección de obras elaboradas en diversas técnicas y materiales, la exposición configura una narrativa múltiple en torno al devenir de la creación de la artista. Dibujos, proyectos, maquetas y otros elementos de registro permiten identificar la manera particular y poética en la que trabaja Domenge. De esta forma, el espacio expositivo permite articular una visión de su trayectoria creativa.

La escultora pone de manifiesto el amplio espectro de su trabajo, piezas de pequeño formato que se inscriben en la joyería que dialogan con algunas de dimensiones mayores hasta alcanzar una referencia a sus obras monumentales que se localizan en diversos espacios alrededor del mundo.

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 Esta máquina altamente especializada, aproximadamente del tamaño de una máquina para hacer palomitas de maíz, está equipada con un cepillo giratorio con cerdas azules brillantes, permitiéndole a los ingenieros de Nissan probar muestras de pintura exterior.

El objetivo de este proceso es asegurar que la pintura resista al ambiente hostil al que se exponen los vehículos dentro de los autolavados.

Mucho antes de que un vehículo Nissan llegue a los pisos de los distribuidores y llegue a los distribuidores de todo el mundo, los ingenieros de la marca se aseguran de que cada tono de pintura exterior se mantenga en óptimas condiciones garantizando su calidad y durabilidad.

Para ello, esta máquina imita un ciclo de lavado automático sobre placas rectangulares y un cepillo con cerdas que giran a aproximadamente 180 rpm. A esto se le suma un polvo especial llamado “polvo de Arizona” que imita las condiciones abrasivas del mundo real.

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La Secretaría de Cultura federal, el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), la Secretaría de las Culturas y las Artes de Oaxaca, y el Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino Tamayo, y el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, así como la Fundación Olga y Rufino Tamayo, informaron de lo anterior durante una conferencia de prensa.

En el acto se dijo que la Bienal de Pintura Rufino Tamayo fue creada por el artista plástico Rufino Tamayo, en colaboración con el INBA, en 1982. El certamen surgió por el interés de Tamayo por promover y fortalecer al arte contemporáneo y desde 1992, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO), es depositario del acervo de esta Bienal.

Cabe recordar que al cierre de la convocatoria, el 31 de mayo de 2016, se registraron 667 propuestas. De acuerdo con las bases señaladas en la convocatoria, se establecieron dos jurados. Uno, el de Selección, conformado por Dulce María de Alvarado, Saúl Villa y Eric Pérez, quienes acordaron la selección de 53 obras, pertenecientes a 51 artistas.

De esas 53 piezas y 51 creadores, el Jurado de Premiación, conformado por Manuela Generali, Luis Argudín y Daniel Lezama eligió a los tres ganadores y decidió entregar también dos menciones honoríficas. Los ganadores son Edgar Cano (“No hay nadie”), Oscar Rafael Soto (“Montañas de ceniza”), y Francisco Valverde Prado (“Monday afternoon”, 2016).

Las menciones honoríficas fueron otorgadas a César Córdova Tapia (“Leche”, 2016, óleo sobre tela), y a Kim Young Sun (“Ombligo de la reina I”, 2016, óleo sobre tela). Luego de que la premiación se llevó a cabo durante la inauguración de la XVII Bienal de Pintura Rufino Tamayo en el MACO el 25 de noviembre de 2016, inició la exhibición de obra.

Las 53 obras seleccionadas se exhibieron del 25 de noviembre de 2016 al 13 de febrero de 2017, en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca y se presentaron durante un año por diferentes sedes de la República Mexicana, para finalizar su exhibición en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, de la Ciudad de México, a partir de ayer jueves 10 de agosto.

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Agustín Arteaga, curador de la exposición y director del Museo de Arte de Dallas, afirmó que esta muestra de artistas mexicanos es la segunda más importante en 10 años que se presenta en esa ciudad estadunidense.

“Sólo la supera la exhibición del faraón egipcio Tutankamón que se presentó en este mismo museo en 2007, pero eso nos habla de la importancia que tiene la cultura mexicana y la manera como sigue atrayendo con sus artistas a miles de visitantes.”

La exhibición conformada por 200 obras entre pintura, escultura, fotografía, dibujo y audiovisuales, presentó también réplicas transportables de las obras de los grandes muralistas de México y documentos que muestran la importancia de un periodo artístico fundamental para México donde surgieron creadores que se convirtieron en iconos del siglo XX.

Después de su presentación en el Grand Palais de París, Francia, donde fue visitada por más de 230 mil personas, la exhibición sedujo al público estadunidense con un amplio mosaico de los artistas que construyeron las vanguardias en la primera mitad del siglo XX Ángel Zárraga, Tina Modotti, Roberto Montenegro, Rufino Tamayo, Miguel Covarrubias

La modernidad mexicana y la manera como influyó la imaginación colectiva es el tema que enmarca la primera sección de la muestra, donde además se da cuenta de la forma como las tradiciones del siglo XIX en México y sus transformaciones seguían estando presentes en las temáticas que abordaban los artistas.

Con el fortalecimiento de la Escuela Mexicana de Pintura y Escultura, la segunda parte de la exposición mostró la manera como la Revolución Mexicana se convirtió en un mosaico de pasiones, imágenes y en cierta manera ideología espiritual de los artistas mexicanos.

Fue así como después del antecedente del muralismo derivado de la Revolución, el tercer apartado de la muestra presenta el gran caleidoscopio cultural que con los cimientos de los grandes movimientos sociales se presentó al público con nuevos exponentes como Gerardo murillo, Germán Cueto, Marius de Zayas y del propio Rufino Tamayo.

Como parte de ese puente cultural con los Estados Unidos, la exhibición que culminó en Dallas agregó un cuarto núcleo denominado Encuentro de dos mundos: Hibridación, donde los asistentes siguieron los pasos de muchos de nuestros artistas por diversas ciudades de los Estados Unidos, en especial Nueva York, donde encontraron una gran retroalimentación para seguir nutriendo su arte de nuevas propuestas.

En esta muestra están presentes las raíces culturales de México, las de sus pueblos originarios, y las vanguardias europeas y americanas de principios del siglo XX, en un amplio panorama dentro de las corrientes del arte moderno universal. México se siente orgulloso de su cultura, de su historia, de su identidad.

Información: Secretaría de Cultura

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