I.- El “Día Libre Festival” está de vuelta y viene con todo el furor del mundo. El rugido de la música que marcó a toda una generación regresa a la Explanada Libre. Este 9 de mayo de 2026, Monterrey recibirá una declaración de identidad en forma de riff y breakdown. Prepárense para una jornada épica que promete revivir los mejores años del rock alternativo y el punk con una selección de bandas legendarias y propuestas actuales.
a). / Este año, el festival ha curado una lista de artistas que garantiza un viaje emocional sin escalas. La banda emblema, División Minúscula, encabeza el cartel no solo con todos sus himnos, sino con una celebración bajo el brazo por sus 30 años de trayectoria, y además la conmemoración de los 25 años de su icónico disco debut «Extrañando Casa», prometiendo un set lleno de clásicos del rock dosmilero. A ellos se suman los gigantes del emo Taking Back Sunday, los veteranos del punk rock The Bouncing Souls, el potente punk de Drain, la energía ska-punk de Save Ferris, y la energía del alma de The Menzingers. A todo esto se le suma la intensidad brutal de figuras como Pup, Balance & Composure, Knuckle Puck, I See Stars, Zebrahead, Big Ass Truck I.E., Lie, Tolidos, Biela, Whippersnapper, y Me Versus Me + The Fight is Now.
b). / Un punto de encuentro para una cultura que se niega a desaparecer. Es el espacio perfecto que reúne la nostalgia de los soundtracks de nuestra juventud y la fuerza de las mejores bandas actuales de punk rock, pop punk, ska, emo rock, metal core, hardcore e indie rock. Es un día para reconectar con los amigos, usar esa playera vintage y dejarse escurrir el delineador. Para que la experiencia sea inolvidable y se adapte a cada fan, el festival ofrece tres tipos de boletos con beneficios específicos. El acceso General incluye la entrada al evento, acceso a los 2 escenarios, más de 10 horas de música, barras de bebidas y alimentos, zona de merch, activaciones de patrocinadores y zona de lockers. Es la opción esencial para vivir el mosh pit. Si buscas llevar tu experiencia al siguiente nivel, el boleto VIP te da todos los beneficios del General, además de entrada preferencial VIP, un pit lateral cerca de ambos escenarios, baños exclusivos climatizados, barra de bebidas y venta de comida exclusiva, y una zona de mesas/descanso techada para recargar energías entre sets.
c). / Finalmente, para una vista privilegiada y memorabilia, el acceso Side Stage te otorga todos los beneficios del VIP, sumando el acceso a una zona lateral en ambos escenarios (a la misma altura que los stages), un gafete conmemorativo y la playera oficial de Día Libre. Esta es la opción premium para quienes quieren estar a un paso del backstage. La venta de boletos ya está activa a través de Boletomovil. Asegura tu lugar y preparémonos juntos para la euforia. Y recuerda: Día Libre Festival es la catedral que se levanta para todos aquellos que crecieron entre skates, mosh pits y letras que hablaban de desamor y frustración. ¡Es hora de vivir el día que nos merecemos!.
d). / Lineup: División Minúscula. Es el pilar fundamental del rock alternativo en México que ha definido la banda sonora de varias generaciones. La agrupación liderada por Javier Blake se ha ganado el estatus de leyenda por su forma de hacer música. Con canciones como «Sognare» y «Las luces de esta ciudad» División Minúscula logró llenar un vacío emocional en la escena, convirtiendo sus letras en tatuajes y sus conciertos en terapias colectivas. Ahora, celebran 25 años de su icónico disco «Extrañando Casa», con una trayectoria que se ha mantenido fiel a sus raíces, ofreciendo un legado de canciones que continúan siendo la voz de quienes sienten profundamente, Taking Back Sunday. es sinónimo del emo y el post-hardcore de principios de los 2000, una banda que definió la catarsis adolescente con su enfoque intensamente emocional. Ellos rápidamente se distinguieron por una dinámica vocal única: la interacción y los contrapuntos entre sus vocalistas, Adam Lazzara y John Nolan (en sus diversas etapas). Esta energía dual, que combinaba el canto desesperado con gritos viscerales, se convirtió en su sello distintivo, reflejando el conflicto y la angustia que resonaban con millones de jóvenes en todo el mundo. Su álbum debut, Tell All Your Friends (2002), es considerado una pieza clave del género, cimentando su reputación como una de las agrupaciones más influyentes de su escena,
e). / The Bouncing Souls. Es una institución del punk rock estadounidense, reconocidos por su enfoque inquebrantable en la comunidad y la energía del DIY (Do It Yourself). La banda ha mantenido una alineación principal notablemente constante durante décadas, lo que les ha permitido forjar un sonido que es a la vez crudo y profundamente optimista. Y es que su música es un torbellino de ritmos rápidos. A lo largo de su extensa carrera han consolidado un repertorio lleno de himnos que se sienten tan vitales hoy como el día que fueron escritos, basta con escuchar canciones como «True Believers». Actualmente ellos son considerados todos unos pilares inamovibles de la escena punk, Drain es la banda que ha redefinido el hardcore punk contemporáneo, inyectando un entusiasmo frenético y un sentido de comunidad playera en un género que a menudo se toma demasiado en serio. Originarios de Santa Cruz, California, Drain combina la velocidad y la brutalidad del hardcore clásico con riffs cargados de groove y una influencia palpable del thrash metal. La banda ha ganado una inmensa popularidad por rechazar el nihilismo, en favor de una energía positiva y contagiosa que convierte sus shows en verdaderas fiestas de alta intensidad.
f). / Save Ferris representa la vibrante y contagiosa ola del ska punk que dominó la escena alternativa a mediados de los noventa. Originarios de Orange County, California, la banda se hizo rápidamente notar gracias a su energía incontenible y a la potente voz de su frontwoman, Monique Powell. Su sonido es una mezcla irresistible de ritmos ska acelerados, riffs de guitarra punk y una sección de metales dinámica. El grupo alcanzó la fama masiva con su versión de «Come On Eileen» y con temas originales como «Superspy», logrando un éxito transversal que los llevó. Desde pequeños clubes hasta bandas sonoras de películas. Save Ferris se ha mantenido como un emblema de la era del third wave ska, con Monique Powell liderando la agrupación, The Menzingers se han posicionado como una de las voces más honestas y respetadas del punk rock contemporáneo, destacando principalmente por la forma en la que fusionan lo crudo del hardcore, con lo reflexivo de sus letras. Algo de lo que se le aplaude a la banda es cómo han capturado la esencia de la vida de la clase obrera y la difícil transición a la madurez; en sus temas abundan detalles nostálgicos sobre bares viejos, errores juveniles y el paso implacable del tiempo. Es por eso que sus letras han resonado con una audiencia que valora el punk no solo por su velocidad, sino por su capacidad de contar historias humanas y complejas. The Menzingers son una banda fundamental que prueba que el punk rock sigue evolucionando, manteniendo su corazón en la rebelión, pero con la cabeza puesta en las realidades de la vida adulta.
g). / PUP (acrónimo de Pathetic Use of Potential) es una banda canadiense que se ha ganado la aclamación global por inyectar una dosis de humor negro, neurosis y energía explosiva en el punk rock moderno. Originarios de Toronto, su música es un torrente de guitarras distorsionadas, ritmos frenéticos y una entrega vocal maníaca que captura perfectamente el sentimiento de estar al borde del agotamiento. Desde su debut homónimo en 2013, ha mantenido una trayectoria ascendente, consolidando su reputación no solo por su composición inteligente, sino por la ferocidad y el caos organizado de sus actuaciones en vivo, Balance and Composure. Banda icónica que se erigió como uno de los pilares del resurgimiento del emo y el post-hardcore melódico a principios de la década de 2010. Originarios de Doylestown, Pensilvania, el grupo se distinguió por su habilidad para crear un sonido pesado, atmosférico y cargado de emoción. El núcleo de su atractivo reside en la voz distintiva de su vocalista, Jon Simmons. Álbumes clave como Separation y The Things We Think We’re Missing establecieron a Balance and Composure como maestros en la creación de paisajes sonoros densos y catárticos, Si hablamos de Emo, Knuckle Puck tiene que venir a la conversación. Ellos han emergido como una de las bandas líderes que revitalizó la escena a principios de la década de 2010, devolviendo al género un poderío aplaudible. Se hizo un nombre rápidamente a través de la fuerte presencia en plataformas en línea y por su sonido, que combina los riffs pegadizos del pop punk clásico con una entrega vocal cruda influenciada por el hardcore. Ellos prácticamente solidificaron la nueva ola del Emo y Pop Punk, probando que el género podía ser tanto técnicamente competente como emocionalmente devastador. Sus actuaciones son conocidas por su energía desbordante, cimentando su lugar como una de las agrupaciones más esenciales de su generación.
h). / I See Stars es una banda fundamental en la creación y popularización del subgénero conocido como electronicore, un sonido que fusiona la agresión y la intensidad del metalcore con elementos de la música electrónica, el synth-pop y el dubstep. La banda irrumpió en la escena a mediados de la década de 2000, destacando por su audacia al incorporar sintetizadores atmosféricos, samples futuristas y breakdowns pesados en una mezcla explosiva… y ¡boom! Esta innovación les permitió atraer a seguidores tanto del metal como de la música electrónica. Su trayectoria ha estado marcada por una constante evolución y experimentación sonora. I See Stars es una banda que representa la vanguardia, demostrando que los límites entre los géneros pesados y electrónicos están hechos para romperse, Zebrahead es sinónimo de fiesta, velocidad y una fusión desinhibida de géneros que muy pocas bandas logran manejar con éxito. Esta agrupación se ha ganado una reputación global por mezclar la energía cruda y acelerada del punk rock con la cadencia lírica y el humor del hip hop. Ellos han sido una fuerza incansable en los escenarios internacionales, conocidos por sus actuaciones en vivo llenas de humor, interacción con el público y una actitud completamente irreverente. ¡Prepárate para lo que viene! Su capacidad para inyectar sátira y optimismo en su música, mientras mantienen una base sólida en el punk californiano, asegura que cada tema sea un himno de buen rollo, ideal para encender cualquier celebración.
i). / Big Ass Truck fue una banda pionera en la escena alternativa de los años noventa, conocida por su mezcla ecléctica y explosiva de géneros que desafiaban las etiquetas convencionales. Originarios de Memphis, Tennessee, el grupo se formó en 1991 y se hizo famoso por su habilidad para fusionar el funk, el jazz, el metal y el rock con elementos de hip hop y experimentación electrónica. Liderados por la combinación de músicos virtuosos y una actitud despreocupada, Big Ass Truck se destacó por su enfoque instrumental y su energía en el escenario. Ellos representaron la diversidad musical del Sur de Estados Unidos de la época, logrando construir una base de fans leales que apreciaban su complejidad rítmica y su negativa a adherirse a un solo género, Lie es una banda que ha capturado la esencia del rock alternativo melancólico con una inyección de energía post-hardcore y una estética marcadamente oscura. Originarios de la escena de Nueva York, han construido un sonido que se siente a la vez nostálgico y contemporáneo, evocando la sensibilidad del emo de finales de los noventa y principios de los 2000, pero con una producción moderna y pulcra. Su música se caracteriza por riffs de guitarra atmosféricos y pesados, que crean un telón de fondo sonoro para las letras introspectivas y emotivas, Tolidos es una de las bandas más representativas del pop punk y rock alternativo en México, consolidando un sonido que es a la vez energético, melódico y profundamente arraigado en la sensibilidad de su audiencia. Originarios de Cd Juárez, Baja California, la banda se formó a principios de los 2000. A lo largo de su carrera, han entregado álbumes esenciales como «D para Drama», cimentando su reputación con canciones que se convirtieron en himnos para una generación. Tolidos representa la voz de un pop punk que se siente auténticamente latinoamericano, fusionando la influencia del género global con una identidad lírica y musical propia.
j). / Biela es una de las propuestas más frescas y contundentes que ha emergido de la escena independiente, con un sonido que es difícil de encasillar. Este trío originario de Madrid ha encontrado su nicho al fusionar elementos del pop alternativo, Midwest emo y el rock más crudo. Se caracterizan por sus guitarras duras tocadas con fiereza y coros con una elocuencia que apunta a las nubes. Su música es una montaña rusa emocional, alternando entre la fragilidad y la rabia, ofreciendo canciones sin relleno que buscan gritar las experiencias que se llevan por dentro. Ellos son una banda que no teme romper las fronteras sonoras mientras mantienen un corazón profundamente arraigado en la emoción y la necesidad de un buen riff, Whippersnapper es una banda que captura la esencia del hardcore punk de la vieja escuela con una inyección de melodía y ferocidad moderna. Originarios de la escena alternativa, se han ganado el reconocimiento por su sonido denso y de alta velocidad, que combina ritmos d-beat implacables con guitarras rápidas y riffs cargados de adrenalina. Su música es un asalto sonoro diseñado para el mosh pit, pero que mantiene un borde melódico suficiente para que sus himnos se queden grabados en la memoria, Me Versus Me y The Fight Is Now representan una colaboración especial que sintetiza dos facetas clave del metalcore y hardcore melódico moderno en una sola fuerza escénica. Esta unión se forja a partir de músicos y miembros que han sido figuras importantes en la escena pesada, logrando combinar la complejidad técnica y la atmósfera densa que caracteriza al metalcore con la inmediatez y el gancho melódico del post-hardcore. El resultado es una propuesta que es a la vez brutal y emotiva, diseñada para impactar tanto en el mosh pit como en el plano sentimental.
II.- Tras anunciar una serie de presentaciones internacionales en ciudades como China, Japón, Alemania, Nueva Zelanda y Brasil, la multifacética banda británica “Wolf Alice” ha sumado una fecha en la Ciudad de México para el próximo 20 de mayo de 2026, en el icónico Pepsi Center.
Wolf Alice, una agrupación británica fundamental, entra en una nueva y audaz era tras el lanzamiento de su aclamado cuarto álbum The Clearing. Ellie Rowsell (voz), Joff Oddie (guitarra), Joel Amey (batería) y Theo Ellis (bajo) se han consolidado como uno de los grupos más importantes del Reino Unido, reconocidos por temas que marcaron época como “Don’t Delete The Kisses” y “Bros”, además, la banda recibió el Mercury Prize por su segundo álbum Visions of a Life en 2018 y el Brit Award a Mejor Grupo tras el éxito de Blue Weekend en 2022.
Grabado en Los Ángeles con el productor ganador del Grammy Greg Kurstin, The Clearing muestra a Wolf Alice en su faceta más segura hasta ahora: equilibrando la diversión con la sinceridad y la ironía con la franqueza en temas destacados como “The Sofa” y “Just Two Girls”.
III.- Tras un rotundo éxito anunciando una primera fecha en Ciudad de México, “System Of A Down” prepara la apertura de una segunda el próximo 28 de mayo en el Estadio GNP Seguros como parte de su gira masiva 2026. Esta noticia se suma a otras, como su impresionante gira por estadios en Norteamérica este verano o los más de 500,000 boletos vendidos en América Latina a principios del año. Su llegada a nuestro país se da tras el reciente anuncio de su gira por Europa y Reino Unido en 2026, cuyas entradas se agotaron de forma inmediata al momento de salir a la venta. En añadidura, para el concierto en Ciudad de México, S.O.A.D estará acompañado por la banda británica de rock, IDLES, creando una alineación escénica cautivadora y enérgica. La Preventa Banamex tendrá lugar este 15 de diciembre, mientras que la Venta General se liberará un día después, el 16 de diciembre a través de Ticketmaster o en la taquilla del inmueble.
Como la banda de rock más inspiradora, impactante e inimitable del siglo XXI, ha vendido más de 42 millones de discos en todo el mundo, ha ganado un premio Grammy® y se ha presentado en estadios, festivales y recintos en múltiples continentes. Formado en Los Ángeles, el grupo ha sido la banda sonora de una revolución personal, política, sonora y espiritual desde el lanzamiento de su álbum debut homónimo en 1998, mismo que alcanzó estatus de multiplatino. El cuarteto ha agotado entradas en todo el mundo y registra regularmente más de 24 millones de oyentes mensuales en Spotify, lo que los convierte en una de las bandas de rock/alternativo más escuchadas globalmente. Compuesto por Daron Malakian (guitarra y voz), Serj Tankian (voz y teclados), Shavo Odadjian (bajo) y John Dolmayan (batería).
IDLES (Bristol, Reino Unido, 2009) es una de las bandas de rock más poderosas de la última década. Goodrich, Beats y Bowen crearon un equipo de trabajo sobresaliente que los llevó a nuevos territorios sonoros. Tangk es el quinto álbum de la banda y el sucesor del nominado al Grammy®: Crawler. Tangk ha sido descrito por la banda como su disco más ambicioso y sorprendente hasta la fecha.
IV.- La banda madrileña, “La Azotea”, presenta su nuevo single “Inmortal” tras la publicación de su primer álbum el año pasado. Este medio tiempo es la apertura hacia la nueva etapa del quinteto, marcada por su producción en Londres el pasado mes de octubre. “Inmortal” llega como un paréntesis en la espera hasta que lleguen los nuevos temas que están por venir en 2026. Tiene todo el ADN de la banda y es un gesto para aplacar el ansia de mostrar al público todas sus novedades. Producida por Brett Shaw (Foals, Florence and the Machine, IZAL) en 123 Studios en el barrio londinense de Peckham que ha trabajado de manera muy implicada con la banda desde las primeras conversaciones.
De una mano guitarras suaves y una batería tocada con escobillas; en la otra mano, letras llenas de nostalgia y vacío nos introducen en una habitación huérfana tras una separación. Una canción en la que refugiarse en los días, semanas y meses en los que se asimila una ruptura. Nacida casi de un impulso cuando Álvaro, vocalista y compositor de La Azotea, tomó por azar la guitarra española de su padre al haber olvidado su acústica abrió una emoción distinta dando a la canción mayor calidez y sensibilidad. En otra guitarra, “Inmortal” no habría existido. Por eso, ya en Londres decidieron no vestir la canción de más, proteger la entraña y dejar que respirara por sí sola. Junto a Brett se trabajó más la atmósfera que el arreglo para mantener esa sensación que encapsula la canción, esa impresión de “habitación”, de “refugio vacío”. Para aumentar la melancolía, a la canción le acompaña un el videoclip de la productora audiovisual AfterliVe Films en el que, en un plano secuencia, van sucediéndose los días, las tardes, las noches en un mismo espacio. Este lanzamiento llega respaldado por un fuerte impulso en lo que al directo se refiere: la banda ya ha sido confirmada en el festival Sonorama Ribera y el próximo 20 de febrero actuarán en Plaza Mahou (Estadio Santiago Bernabéu, Madrid). Las entradas ya están a la venta y esa noche se podrán escuchar en primicia algunas de sus nuevas canciones consolidando su proyección para esta etapa y donde presentarán su nuevo sonido: el de siempre con tintes londinenses.
La Azotea nace en Madrid en 2020 de la mano de dos amigos de universidad. Tras varios cambios de formación y una evolución constante, en 2023 se consolida como quinteto y da forma a su primer álbum: “No Existe Otro Momento” (2024), un disco de 10 canciones que refleja su identidad: melodías, mensajes directos y un sonido cada vez más contundente. La Azotea ha llevado su propuesta a los escenarios con su primera gira nacional ‘No Existe Otro Tour’, colgando 2 sold outs en Madrid (Café La Palma y Moby Dick), y superando expectativas en ciudades como Barcelona, Valencia, Zaragoza, Cuenca, Santander y Alcalá de Henares. Su filosofía, Potencia Joven, simboliza la actitud, la fuerza natural y la honestidad musical, sin etiquetas limitantes. En 2025, además de completar la gira, La Azotea fue finalista de concursos clave como Vivo Back to Bands (Teatro Albéniz), impulsado por grandes marcas como Santander, Prisa o Los40, con jurado profesional liderado por figuras como Alejo Stivel. También alcanzaron la final del Endesa Play, que culminó con una actuación en directo durante la Final de la Liga ACB en el Movistar Arena, retransmitida en prime time por Movistar+. Actualmente, trabajan en su próximo EP, que será publicado en 2026. La Azotea son: Álvaro, Jorge, Camacho, Pablo y Javi.
V.- Ha llegado el gran día en el que ven la luz las canciones seleccionadas para participar en Benidorm Fest 2026. Desde “Hook Management” se presentan tres candidaturas con tres propuestas frescas y muy diferentes entre sí: la firma de Kitai, la unión de Miranda! y bailamamá y The Quinquis. Una banda en pleno reinicio, una colaboración que une a España con Latinoamérica y un proyecto que da sus primeros pasos inician su camino hacia la quinta edición del certamen alicantino, que se celebrará del 10 al 14 de febrero en el Palau d’Esports l’Illa de Benidorm. En su quinta edición, el certamen se reinventa como un festival independiente, dejando atrás su vínculo con Eurovisión para enfocarse en la diversidad artística y la innovación musical.
“Despierto Amándote” es el fruto de la unión del icónico dúo argentino Miranda!, formado por Alejandro Sergi y Juliana Gattas, referentes absolutos del pop latino, junto a bailamamá, el proyecto en solitario del artista español Óscar Ferrer, conocido por ser la inconfundible voz de Varry Brava. Compuesta por Ale Sergi, Didi Gutman y Cachorro López, la canción es una celebración de la pasión, el deseo y la conexión emocional. Un tema luminoso y bailable que fusiona a la perfección la esencia vibrante, elegante y pegadiza de Miranda! con la sensibilidad pop contemporánea de bailamamá. El resultado es una pieza de letra apasionada, estribillo adictivo y una clara influencia del pop español de los años ochenta, reinterpretado desde una mirada actual y sofisticada. Cada artista imprime su identidad en “Despierto Amándote”, logrando un equilibrio natural entre el sonido característico de Miranda! y el recorrido musical de Óscar Ferrer, desde Varry Brava hasta esta nueva etapa creativa con bailamamá. Con este lanzamiento, ambos proyectos se preparan para conquistar el escenario del Benidorm Fest 2026.
Con “El Amor Te Da Miedo”, la banda madrileña Kitai se presenta al Benidorm Fest 2026 y se postula como la única opción rockera de la quinta edición del certamen. Es además un tema con el que el cuarteto sigue escribiendo el nuevo capítulo de su historia, reiniciada a principios de este 2025 con la incorporación de la vocalista Kenya Saiz, que se ha unido a Deivhook, Edu Venturo y Fabio Yanes para darle continuidad a la apuesta de Kitai: rock, sudor y diversión. Y el rock está más que presente en «El Amor Te Da Miedo», que entra con el latido de una irresistible batería acompañada por un bajo demoledor, introduciendo un riff destinado a quedarse grabado en el cerebro. Sin descanso, la canción va in crescendo de la mano de los sentimientos que recorren la letra, que habla de esos amores que no fueron porque una de las dos partes -o ambas- no tuvieron el valor de abrir su corazón. El miedo al compromiso, un asunto universal y totalmente contemporáneo, queda resumido en un estribillo directo, claro y tremendamente pegadizo para corear a pleno pulmón en el Benidorm Fest. Le acompaña un videoclip grabado en un plano secuencia, siguiendo el ritmo incansable de la canción y transmitiendo la energía del directo de Kitai.
The Quinquis presentan «Tú No Me Quieres», el segundo adelanto y el corte de mayor intensidad del que será su primer EP, «Malaventura», y la canción con la que participarán en Benidorm Fest 2026 de RTVE. Con este tema, el trío formado por Maxi Jeremies, Marcos Miranda y Reys consolida un lenguaje propio y lleva más lejos su mezcla de raíz, barrio y pista de baile, entrando de lleno en el nuevo jaleo del flamenco electrónico, ese espacio donde la voz de raíz convive con la energía del club. Producida por Reys, con mezcla de Iñaki de las Cuevas y masterización de Julio Rodríguez Sangrador, la canción nace de una experiencia personal y explora el momento en el que uno descubre que una relación que creía afectiva estaba movida, en realidad, por el interés. «Tú No Me Quieres» construye su identidad sobre un jaleo de club, con un pulso poderoso que bebe del UK garage y el dubstep, trenzado con capas de sintetizadores inspiradas en el hyperpop y la electrónica de club. Le acompaña un videoclip directo y afilado, donde los tres integrantes cantan a cámara como si firmaran una declaración de intenciones: honesta, frontal y sin artificios.
VI.- Después de un rotundo éxito al agotar sus presentaciones para el Auditorio Nacional y una más en el Domo de Cobre el próximo año, “Siddhartha” anuncia una segunda fecha en este escenario que sin duda será una de las mejores noches de 2026. No te pierdas de las canciones de uno de los músicos más aplaudidos del momento. La cita será el próximo 03 de septiembre en el Palacio de los Deportes.
Después de una serie de shows exitosos y un año lleno de actividad, Siddhartha está preparando lo que será su nueva producción, de la cual ya podemos disfrutar dos temas por adelantado: “Tú y Yo y Tú” y “Abrázame”. Estas dos canciones expresan un estilo único y profundizan en los sentimientos y el amor. Son temas envolventes y emotivos que reflejan el sello particular del cantante.
Jorge Siddhartha González Ibarra es un músico, productor, compositor y cantante mexicano, cuyo estilo se mueve con soltura entre el indie rock, folk rock y pop alternativo. Sus inicios son fascinantes: en su infancia mostró interés por la batería, llegando a ser el baterista de la banda mexicana Zoé entre 2005 y 2006. Su talento lo llevó a ganar el premio Indie-O Music Awards por su álbum El Vuelo Del Pez. Su trayectoria en solitario es sólida, con seis discos: Why You? (nominado a los premios Grammy Latinos), Náufrago, El Vuelo Del Pez, Únicos, Memoria Futuro (también nominado a los Grammy Latinos) y 00:00.
VII.- Una nueva y ambiciosa propuesta musical se prepara en el corazón del Estado de México. Se anuncia oficialmente Vibrante, el nuevo festival musical que promete redefinir el entretenimiento en la zona noreste del Estado de México, muy cerca de la CdMx. “Vibrante Festival” se llevará a cabo el 25 de abril en los Campos Tonanitla, ubicados en Boulevard Ojo de Agua, Estado de México. Gracias a la ubicación y a las diversas vías de comunicación, el recinto ofrece tiempos aproximados de traslado accesibles desde distintos puntos de la región. Zonas como Ecatepec, Tecamac, Zumpango, Tultepec, Coacalco, entre otros se encuentran a 15 minutos aproximadamente, mientras que CdMx, Pachuca, Naucalpan, Tlalnepantla, Cuautitlán Izcalli están a unos 30 minutos del Venue.
Con el objetivo de facilitar la llegada de todos los asistentes, se contará con diferentes compañías de tours certificados, las cuales ofrecerán transporte seguro y directo hasta la sede del festival. Esta opción es para brindar mayor comodidad y tranquilidad a quienes prefieran dejar su auto en casa. Nace con la visión de establecerse como la celebración musical anual más importante de la zona. Su principal objetivo es unir y crear un espacio de encuentro inclusivo, donde la música, el arte, la gastronomía y la cultura local serán los protagonistas. Los boletos estarán muy pronto a la venta a través de Boletia. No olvides seguir de cerca las redes sociales oficiales para ser los primeros en conocer las novedades que Vibrante Festival tiene para todos.
VIII.- San Luis Potosí volvió a colocarse en el mapa internacional del metal con un anuncio que cimbró tanto a la escena mexicana como a miles de seguidores en Latinoamérica: el “San Luis Metal Fest 2026”, que llevará por nombre “The Awakening of Darkness”, se celebrará los próximos 16 y 17 de mayo de 2026 en el Teatro del Pueblo de la FENAPO, convirtiéndose desde su nacimiento en uno de los proyectos más ambiciosos, visionarios y de mayor impacto social que ha visto la escena pesada en la última década. Un festival de gran escala, sin precedentes, que apuesta por un modelo arriesgado y profundamente comunitario: el acceso será totalmente gratuito, con registro previo y la donación de algún producto que se dará a conocer en breve.
En una presentación a medios que desbordó entusiasmo y expectativa, estuvieron presentes Reyna Garay, encargada de Relaciones Públicas de Sierra Centro Producciones; Charlie Salgado, director de Medussa Entertainment; así como Iván Jahzeel, pieza clave en la construcción del concepto artístico. Juntos delinearon los pilares de un evento que no solo busca competir con los grandes festivales del mundo, sino redefinir lo que un festival gratuito puede significar para una ciudad, para un estado y para toda una comunidad metalera. En dicha conferencia se revelaron algunos detalles previos y las primeras bandas, resaltando que será el 20 de Diciembre cuando se conozca a los headliners. Desde el escenario acondicionado para la conferencia, se dieron a conocer las primeras bandas internacionales confirmadas: Void, Hellripper, Necrofier, Atomic Agressor, Hirax y los legendarios Crimson Glory, nombres que por sí solos ya anticipan una descarga de furia técnica, oscuridad ceremonial y peso histórico. Sin embargo, la revelación más esperada tendrá que aguardar unos días más: el cartel final incluyendo a las bandas headliner se dará a conocer en breve, fecha que ya ha encendido la especulación entre seguidores, promotores y medios especializados.
Charlie Salgado abrió la conversación con una declaración que marcó el tono de la tarde: “Lo que estamos construyendo no es solo un festival; es un mensaje. Queremos demostrar que en México también se pueden hacer eventos masivos de clase mundial sin que el acceso sea una barrera. El metal siempre ha sido una comunidad, y esta vez esa comunidad será la protagonista.” Su intervención destacó la ambición del proyecto, que desde sus bases logísticas busca un nivel de producción comparable con Wacken, Hellfest o Bloodstock. Por su parte, Iván Jahzeel, visiblemente emocionado al mostrar el branding oficial de The Awakening of Darkness, señaló: “La gente todavía no sabe lo que viene. Las bandas que anunciaremos el 20 de diciembre son de esas que uno espera toda una vida para ver. Este festival será un parteaguas para San Luis, para México y para la manera en que entendemos la cultura del metal. Que sea gratuito no significa que sea pequeño; al contrario, lo hace más grande y más urgente.” La encargada de Relaciones Públicas, Reyna Garay, subrayó el valor social y cultural del proyecto, enfatizando que detrás de esta iniciativa no existe ningún apoyo económico del gobierno, sino la convicción de dos productoras mexicanas Medussa Entertainment y Sierra Centro Producciones de que el metal puede convertirse en un motor cultural y turístico de gran escala. “San Luis tiene una identidad fuerte, y el metal también. Queremos que ese cruce genere movimiento, derrama económica, turismo y orgullo. Este festival pertenece a la gente, al público que se registra, a quienes aman este género. Por eso es gratuito. Por eso lo estamos haciendo así.”
El proceso de registro fue uno de los anuncios que más interés generó. Para asegurar el acceso, los asistentes deben registrarse en el enlace oficial: https://goo.su/0ozPtj. El esquema de acceso seguirá una estructura clara: Los primeros 5,000 registros obtendrán acceso VIP, con beneficios especiales en zonas de visibilidad y comodidades exclusivas. Los siguientes 10,000 registros formarán parte de la Zona Preferente, ubicada frente al escenario. Finalmente, se liberarán 15,000 accesos adicionales para la Zona General, sumando un total de 30,000 asistentes, cifra que posiciona al festival como uno de los eventos gratuitos de metal más grandes del continente. Además de los conciertos, el festival presentará el pabellón de mercancía, arte y cultura metalera más grande jamás montado en México, con creadores y expositores de distintos países; áreas dedicadas a la cultura y gastronomía de San Luis Potosí incluida la riqueza simbólica y natural de la Huasteca; espacios para medios, creadores de contenido y prensa; y zonas de experiencia que complementarán la narrativa oscura y monumental de esta primera edición. Desde esta conferencia, la organización invitó a la comunidad metalera a registrarse lo antes posible, y a hacerlo con responsabilidad. “Este festival nace del corazón del público,” dijo Salgado. “Y queremos que lo viva la gente que realmente respira metal.” El San Luis Metal Fest 2026, con su concepto “The Awakening of Darkness”, se perfila no solo como un evento masivo, sino como el despertar de una nueva etapa para el metal en México: una en la que la oscuridad reúne, la música une y la comunidad se convierte en un acto de resistencia cultural. Este 20 de Diciembre se conocerá el cartel final y a los headliners.
IX.- El próximo 30 de abril en el Teatro Metropólitan, el público mexicano será testigo de una noche histórica: “Javier Corcobado”, músico, poeta y novelista, regresa a los escenarios para conmemorar cuatro décadas de una carrera marcada por la innovación y el poderío artístico.
Reconocido como una figura esencial en la música española, Corcobado ha editado 20 álbumes oficiales y colaborado con artistas de renombre internacional. Desde sus inicios con proyectos como Mar Otra Vez y Demonios Tus Ojos, hasta su consolidación como solista, ha construido un universo sonoro que transita entre la belleza y la distorsión, la ternura y la fatalidad. Esta conmemoración coincide con el lanzamiento de Solitud y Soledad, su vigésimo álbum oficial, un doble disco que reúne 20 canciones. Solitud ofrece diez nuevas composiciones con la fuerza del rock más visceral, mientras que Soledad revisita piezas emblemáticas de su trayectoria con duetos junto a Alaska, Andrés Calamaro, Nacho Vegas, Marc Gili (Dorian), Jorge Martí (La Habitación Roja) y otros artistas.
Javier Corcobado inició su carrera en solitario como Corcobado, después como Corcobado y Los Chatarreros De Sangre y Cielo, así como Corcobado y Cría Cuervos, para volver a denominarse Corcobado y, finalmente, Javier Corcobado. Ver a Corcobado en vivo es una experiencia irrepetible: un artista que domina el escenario con una intensidad que va del susurro al grito, capaz de provocar emociones extremas y llevar al público al trance.
X.- “El Haragán y Cía.” presentó ante medios los detalles de su regreso a la Arena CdMx, con una fecha que busca saldar una deuda emocional con su público y convertirla en celebración: el domingo 17 de mayo de 2026 el grupo encabezará “Resiliencia, Vida y Rocanrol”, un concierto planteado como manifiesto de barrio, memoria y dignidad, con invitados especiales que se revelarán más adelante y un set diseñado para recorrer, con potencia de estadio, la columna vertebral de su cancionero. Los boletos para este concierto salen a la venta este Jueves 18 de Diciembre En la conferencia, la banda insistió en que esta nueva cita se construye con un control de producción distinto al de la ocasión anterior: el evento está organizado por El Haragán y Cía. en colaboración con Arena CdMx y Zignia Live, con una supervisión directa de cada componente técnico y logístico, de modo que el show responda a la escala y al cuidado que exige un recinto de esa magnitud. En palabras de Luis Álvarez, “Haragán”, el objetivo es que la noche vuelva a sentirse como esas ceremonias donde la calle se reconoce a sí misma: “No venimos a ‘cumplir’ una fecha; venimos a honrar a la gente que ha caminado con nosotros, a que suene como debe sonar y a que se viva como se merece y a que todos salgan plenos de esta experiencia que estamos preparando desde ahora”.
Esto último se debe a que el concierto del grupo en la Arena CdMx fue cancelado a última hora este año por falta de condiciones técnicas y operativas; pese a que el equipo de la banda hizo gestiones para resolver todos los incumplimientos, llegó la hora de compensar a sus fans con esta nueva cita el 17 de mayo de 2026. Con esa referencia inevitable, Álvarez sostuvo un deslinde puntual: “La vez pasada no se pudo por no haber condiciones mínimas que no dependían de nosotros; la gente merece respeto y por eso se tomó esa decisión. Hoy es distinto: estamos armándolo con Arena CdMx y con Zignia, con reglas claras y con el equipo completo. No va a volver a pasar”. Esa postura, remarcó, no busca reabrir polémicas sino cerrar un capítulo y garantizar certidumbre para el público. Se anunció también la presencia de Banda Bostik, Sergio Arau, Carlos Segarra y María Barracuda como primeros invitados. Con esa misma narrativa de continuidad, la banda recordó que su travesía arranca en 1989, cuando Luis Álvarez asumió la música como crónica de asfalto heridas, risas, derrotas y destellos y la convirtió en canciones que dejaron de pertenecerle a un autor para volverse patrimonio afectivo de varias generaciones. En la conferencia, el grupo subrayó que “Resiliencia, vida y rocanrol” no alude sólo al título del concierto, sino a una manera de sostenerse fuera de modas: resistencia como terquedad creativa, vida como comunidad alrededor de un coro compartido, y rocanrol como forma de habitar la ciudad.
También se confirmó que, antes del turno estelar, Los K’comixtles proyecto comandado por Rubén Albarrán y el Gato Rockabilly abrirá la jornada, en un cruce de ADN urbano y electricidad mestiza que refuerza el carácter generacional de la fecha. La intención, se explicó, es que la Arena no sea un simple foro, sino el territorio de una noche completa: una ciudad adentro del recinto, encendida por canciones que el público no sólo escucha, sino que habita. En cuanto a boletaje, se informó que la venta al público iniciará el jueves 18 de diciembre de 2025, con disponibilidad a través de Superboletos y en taquillas de la Arena CdMx además de puntos autorizados como El Palacio de Hierro, Farmacias del Ahorro e Innovasport; para información adicional se remitió a los canales de Zignia Live y así, estar listos para su recital el Domingo 17 de Mayo de 2026. A esa lectura inmediata del anuncio se suma una capa más profunda, casi estructural, sobre el lugar que El Haragán y Cía. ocupa dentro del rock mexicano y por qué esta fecha adquiere un peso simbólico que va más allá del calendario. La figura de Luis Álvarez no sólo representa a una banda longeva, sino a una ética creativa que ayudó a definir una manera de entender el rock nacional desde los márgenes, lejos de la complacencia industrial y cerca de la calle como espacio narrativo. El Haragán se convirtió, con el paso de los años, en una voz que tradujo en canciones el pulso de una ciudad áspera y contradictoria, donde la resistencia cotidiana, la amistad, la pérdida y la dignidad encontraron un cauce musical reconocible y honesto. En ese sentido, su permanencia no responde a la nostalgia, sino a una vigencia construida desde la coherencia. En medio de la conversación con los medios, Álvarez lo resumió con una frase dicha sin solemnidad, casi al paso: “Nunca pensamos el proyecto como algo para durar décadas, simplemente tocamos como vivimos; si la gente se quedó, es porque esas historias también eran suyas”.
En el cierre, Álvarez encapsuló el tono de la convocatoria con una frase que operó como promesa y como consigna: “Lo que viene es una noche para volver a cantar sin pendientes: a la velocidad del barrio, pero con la seguridad y el sonido que la gente merece”. En el fondo, este concierto funciona como una especie de respiración larga dentro del trayecto del grupo: un momento donde todo encuentra cauce, donde la historia previa, las expectativas acumuladas y la energía del presente se alinean sin fricciones visibles. No se trata de subrayar nada ni de forzar lecturas, sino de dejar que la música y el ritual colectivo hagan su trabajo, que el flujo natural entre banda y audiencia se restablezca en un espacio que, esta vez, está preparado para recibirlo. “Las canciones ya están ahí, han pasado la prueba del tiempo; ahora sólo toca dejarlas correr y que la noche haga lo suyo”, comentó Álvarez hacia el cierre de la rueda de prensa, como quien habla más de un encuentro que de un concierto. En un género que muchas veces ha sido empujado a la periferia, la presencia de El Haragán en un escenario de esta escala reafirma que el rock mexicano sigue vivo cuando sus figuras esenciales avanzan sin romper su esencia, permitiendo que las canciones sigan encontrando nuevos cuerpos y nuevas voces que las canten.
XI.- “Christian Nodal” confirmó su presentación en Pachuca como parte de su tour “Pa’l Cora”, una gira que marca el inicio de una nueva etapa creativa en su trayectoria y que llegará a la capital hidalguense el sábado 21 de marzo de 2026 en la Plaza de Toros Vicente Segura. El intérprete, considerado una de las figuras más sólidas y representativas del regional mexicano contemporáneo, prepara un espectáculo concebido para conectar desde la emoción, con una narrativa sonora que refleja su momento artístico actual. Los boletos están disponibles a través de la plataforma FunTicket. La fecha de Pachuca se perfila como uno de los encuentros más significativos del tour, al tratarse de una plaza con una fuerte tradición musical y un público que ha acompañado de manera constante el crecimiento de Christian Nodal. “Pa’l Cora” apuesta por un formato más cercano e íntimo, donde la interpretación cobra un papel central y las canciones se convierten en el hilo conductor de una experiencia directa, honesta y profundamente emocional.
Para esta presentación, los boletos estarán disponibles a partir del 19 de diciembre a través de las plataformas Funticket y Toptickets, por lo que se recomienda al público mantenerse atento a los canales oficiales para asegurar su acceso. La expectativa por esta fecha es alta, dado el arrastre que Nodal mantiene y la relevancia de Pachuca dentro del calendario de la gira. Durante 2025, Christian Nodal sostuvo una presencia constante en plataformas digitales y escenarios, respaldada por lanzamientos que reforzaron su vigencia artística y por reconocimientos de gran peso, entre ellos el Latin Grammy a Mejor Álbum de Música Ranchera y Mariachi por “¿Quién + Como Yo”. Con “Pa’l Cora”, el cantante traslada ese momento creativo al escenario, proponiendo un recorrido musical que equilibra tradición, madurez y una visión estética renovada. La producción de este concierto en Pachuca corre a cargo de Music Vibe, promotora que se ha distinguido por desarrollar espectáculos enfocados en fortalecer la conexión entre el artista y el público, cuidando tanto el concepto creativo como la adaptación del show a la energía particular de cada ciudad. Bajo esta visión, la presentación en la Plaza de Toros Vicente Segura se presenta como una oportunidad para reencontrarse en vivo con los temas más recientes de Nodal y con las canciones que lo han consolidado como una de las voces más influyentes del regional mexicano actual. Para conocer más detalles y mantenerse al tanto de cualquier actualización relacionada con el tour “Pa’l Cora” y su fecha en Pachuca, se invita a seguir las redes sociales oficiales de Christian Nodal, de Music Vibe y de las boleteras autorizadas.
XII.- “Bad Bunny” regresa a la Ciudad de México con ocho fechas de su aclamado “DeBÍ TiRAR MáS FOToS World Tour”, una de las giras más esperadas del año y un despliegue artístico que redefine los estándares del espectáculo en vivo. Sus presentaciones en el Estadio GNP Seguros representan no solo un hito en su carrera, sino también un momento histórico para el entretenimiento en vivo en nuestro país.
La respuesta del público ha sido apabullante. Para estas ocho noches, la Ciudad de México recibirá a asistentes de 77 países, quienes viajarán exclusivamente para vivir la experiencia del tour, confirmando el alcance global del artista y el papel de la ciudad como epicentro del turismo musical en América Latina. Además, el 45% del público proviene de otros estados de la República, reflejo del magnetismo del espectáculo y del impacto que genera en la movilidad, la ocupación hotelera y la derrama económica de la región, impulsando a la CdMx como una de las ciudades más atractivas para los conciertos de talla internacional. El furor se refleja también en su conexión con las audiencias jóvenes: seis de cada diez asistentes tienen entre 18 y 34 años, consolidándolo como uno de los actos más influyentes para las nuevas generaciones.
La demanda, como era de esperarse, hizo historia. Más de 3 millones de personas ingresaron a la página oficial de Ticketmaster en busca de boletos para estas fechas, posicionando a esta serie de conciertos entre los más solicitados en la historia reciente. A este fenómeno se suma una tendencia global que confirma el reporte Living for Live de Live Nation y que señala que el 59% de los fans en el mundo viaja al menos una vez al año para asistir a un concierto, y que el 68% gasta lo mismo o más en viajes relacionados con música que en otro tipo de viajes. Este comportamiento que en México se vuelve evidente con asistentes provenientes de decenas de países refleja cómo los conciertos se han convertido en experiencias destino que mueven economías y culturas a escala global.
El público podrá disfrutar de un montaje visualmente imponente, con una escenografía diseñada por el propio artista y una propuesta sonora que ha reinventado la experiencia del género urbano. Cada elemento del show desde la narrativa visual hasta la selección musical ha sido creado para sumergir al público en un espectáculo de vanguardia. Bad Bunny llego a México con una producción tan ambiciosa como personal, lista para convertir a la Ciudad de México en el punto de encuentro de uno de los artistas más influyentes del planeta.
XIII.- El icono chileno del género urbano, “Cris MJ” (Christopher Andrés Álvarez García), está listo para desatar toda su energía en México con una serie de shows que serán inolvidables. Prepárense para perrear con el artista más escuchado de Chile a nivel global, pues su tour visitará las ciudades más importantes del país: 07 de mayo – Auditorio Telmex – Guadalajara, 08 de mayo – Auditorio Banamex – Monterrey, 09 de mayo – Palacio de los Deportes – Ciudad de México
Originario de La Serena, Chile, Cris MJ comenzó su carrera en 2020 y rápidamente se convirtió en la voz de una generación. Con un estilo musical que mezcla de manera brillante reggaetón y trap, sus letras reflejan vivencias y aspiraciones auténticas que han conectado con millones. Su ascenso fue meteórico gracias a sencillos como “Locura y Maldad” y “Los Malvekes”. Sus mayores éxitos son ya himnos globales, como es el caso de “Una Noche en Medellín”: Este sencillo de 2022 se convirtió en un fenómeno viral en TikTok, escalando el Billboard Hot 100 y siendo la canción chilena más reproducida en Spotify en su momento. “Gata Only”: Una colaboración de 2024 con FloyyMenor, que lideró las listas latinas de Billboard y se consolidó como la canción latina más escuchada del año en la plataforma.
Además de estos hits, su repertorio incluye temas populares y colaboraciones de peso como “Me Arrepentí” (con Ak4:20 y Pailita) y el remix de “Marisola” (junto a Duki y Nicki Nicole). Su discografía se expande con álbumes como Welcome To My World (2022), Partyson (2023) y Apocalipsis (2025). Si quieres vivir la euforia de Cris MJ en su mejor momento y cantar a todo pulmón los hits que dominaron el streaming, no puedes perderte estas tres fechas.
XIV.- Una de las voces más frescas y prometedoras del pop alternativo y la balada contemporánea, “Humbe”, está listo para llevar su carrera a nuevas alturas con el anuncio oficial de su próxima gira: “Dueño del Cielo”. Este tour promete ser un hito en su joven pero sólida trayectoria, llevando su emotiva música a un público cada vez más amplio y consolidando su posición como un artista que define el sonido de la nueva generación.
07 de febrero 2026 – Arena Monterrey – Monterrey, 24 de abril 2026 – Auditorio Parque Las Maravillas – Saltillo, 28 de mayo 2026 – Auditorio CUM – Hermosillo , 28 de agosto 2026 – Coliseo La Concordia – Orizaba, 04 de septiembre 2026 – Plaza de Toros – Mexicali , 05 de septiembre 2026 – Plaza de Toros Monumental – Tijuana , 11 de septiembre 2026 – World Trade Center – Veracruz , 18 de septiembre 2026 – Teatro al Aire Libre – Villahermosa , 19 de septiembre 2026 – Polyforum Chiapas – Tuxtla Gutiérrez , 26 de septiembre 2026 – Coliseo Centenario – Torreón , 02 de octubre 2026 – La Velaria de la Feria – León , 03 de octubre 2026 – Auditorio Amado Nervo – Tepic y 10 de octubre 2026 – Teatro del Parque Tangamanga II – San Luis Potosí. Ha cosechado logros impresionantes que avalan su impacto en la escena musical. Con múltiples nominaciones, logros en plataformas de streaming y numerosos sold outs, el joven artista ha elevado su nombre a nivel global, demostrando un crecimiento orgánico y sostenido impulsado por la autenticidad de su arte.
“Dueño del Cielo” Tour será la oportunidad perfecta para que los fans experimenten la evolución artística de Humbe en vivo. Los conciertos están diseñados para ser una experiencia sensorial completa, combinando visuales cautivadores con la pasión y la energía que lo caracterizan en el escenario. Su repertorio recorrerá sus mayores éxitos y presentará lo más nuevo de su colección musical, haciendo de cada noche un evento inolvidable. La venta libre de boletos se llevará a cabo a partir del viernes 12 de diciembre, en las correspondientes boleteras de cada ciudad, y se anticipa una demanda masiva, por lo que se recomienda a los seguidores estar atentos a los próximos anuncios para asegurar su lugar en la que será una de las giras más importantes del 2026.
XV.- Desde su aparición en el reality Building The Band, “Midnight Til Morning” directos del streaming, la agrupación trans-pacífico aterrizará en tierras mexicanas por primera vez y llegarán al Lunario del Auditorio Nacional el próximo 13 de Abril para conquistar el corazón de sus fans en México. Con una propuesta fresca y original, la agrupación promete adueñarse de los escenarios a nivel global y nuestro país no podía faltar en la lista.
Son una banda revelación de cuatro integrantes que combina voces potentes, vulnerabilidad emocional y una química en el escenario innegable. Su sencillo debut “Bye” presentó un sonido elevado y agridulce que es tanto cinematográfico como profundamente personal. Con un equipo creativo que abarca productores nominados al Grammy y directores de video aclamados, cada parte de su arte está diseñada para conectar. Desde momentos virales hasta el auge en las plataformas de streaming, han capturado rápidamente a una audiencia global atraída por sus armonías, su corazón y su hermandad. Ahora, dejan la pantalla para subir a escenarios de todo el mundo con un espectáculo en vivo que promete energía pura, narración rica y momentos inolvidables. “Bye”, su sencillo debut, fue coescrito por la agrupación junto a Benson Boone y Amy Allen (colaboradora de Harry Styles y Sabrina Carpenter).
La formación surgió por audiciones a ciegas, donde los australianos Conor Smith y Mason Watts coincidieron con los estadounidenses Shane Appell y Zach Newbould; la conexión resultó perfecta que lograron conquistar audiencias globales con su química en el escenario y armonías impecables. Cada integrante llega desde una carrera en solitario, aportando su estilo propio para crear un sonido nuevo que fusiona himnos modernos de pop y rock. El lanzamiento de su álbum Afterglow (2025), marca el inicio de lo que será un año prometedor para la banda. Este álbum toma influencias cinematográficas y baladas emotivas, demostrando su capacidad para oscilar entre lo vulnerable y melancólico con un toque de pop que otorga energía. La banda está tomando su propio camino bajo el mensaje central de hermandad y conexión con sus fans.
XVI.- La gira de conciertos “Stardew Valley: Festival of Seasons” ha sido un suceso global, con boletos agotados en cada ciudad que ha visitado, desde hubs clave como Chicago hasta Nueva York. Ahora, esta gran experiencia musical está lista para ser apreciada por el público mexicano: ¡Nuestro país será parte de este gran evento que nos transportará a las mejores horas de juego! Dale play y asegura tu slot, porque el próximo 31 de enero la cita es en el Teatro Metropólitan (Ciudad de México).
Esta noche es la única fecha en el país de la gira mundial. Stardew Valley: Festival of Seasons presenta la infinidad de canciones de la querida sensación del simulador agrícola, hechas realidad por una orquesta. Si bien las adaptaciones sinfónicas son comunes para franchises como Zelda, Pokémon y NieR, esta es la primera vez que un título indie de esta magnitud recibe tal tratamiento, marcando el atractivo duradero y el legado en constante crecimiento de Stardew Valley.
El espectáculo se centra en una actuación de cámara íntima, fiel a la estética minimalista y rústica del juego. No esperes pantallas inmersivas con imágenes de gameplay; en su lugar, habrá proyecciones abstractas y luces que simbolizan los colores de las estaciones. La tranquila “Dance of The Moonlight Jellies” ocupa un lugar de honor, siendo una de las favoritas tanto del compositor original (ConcernedApe/Eric Barone) como de la audiencia.
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